観客の視線から学ぶこと

私は生徒たちに指導するときに、観客の視線を意識することを伝えています。
常に「お客さんから見てどう見えるのか」「どう見せたいのか」を意識して踊ること。

踊る自分は「これが良い!」と思っていても、観る側(観客)が美しくない、と感じてしまえば、次回観に来てもらうこともできません。
観てくれるお客さんがいなければ、どんなに踊りたくても舞台は成立しない。
どんな職業もですが、売る側と買う側がいて成り立つのが商売。
同じように、踊る側と観る側がいて成り立つのが舞台です。

観客にダンスの経験があるかないか、またその立場によって、視線や心理が異なると書かれた論文を読みました。
この実験では、観客をダンス未経験者・ダンス経験者・ダンス講師の3つのグループに分けて、ダンサーが止まっている時と動いた時の観客の視線をカメラを使って追い、どこにどれだけ注目し、それを値にしたものです。
観客がダンサーの「どこを見ているのか」ということは、ダンサーの動きやポーズの「何に関心を持っているのか」や観客が「どんな心理状態にあるのか」を示しています。
簡単に言えば、観る側は興味があるところしか見ないから、経験と立場で見る場所がこれだけ違いますよ、といったもの。

ダンス未経験者や初めてダンスを見た方たちは、顔に注目することが多く、表情、動き全体の雰囲気や音楽や衣装などに注目。
ダンス経験者は足、手、動きの組み合わせ、腕や体の使い方などのテクニック面に注目。
ダンス指導者は作品全体のイメージ、またダンサーの表現力、曲と動きの中の呼吸と流れなど、抽象的な見方をしているようでした。

こうやって目の動きを値にすると、なるほどなぁやっぱりなぁと腑に落ちました。
この研究から、舞台によってダンサーを観るグループが異なるので、強化するべきことや指導するべきことが異なっていることが分かります。

コンクールの多くの場合は、指導者がダンサーを観て審査するので、作品のイメージ、曲と動きの中の呼吸と流れの強化が必要となります。
指導者たちが見ている「ダンサーの表現力」とは、動きや呼吸を使った表現。つまり体を使った動きの表現ということ。
単なるゆっくりではなく優雅に優しく動いたり、ただの大きなジャンプではなくダイナミックでパワフルなジャンプだったり、はじけるような爽快なジャンプだったりといったストーリーを現した動きです。
そうなると当然、ダンス経験者が注目しているテクニックがなければ、動きのコントロールはできません。

そしてダンサーが素人かプロかを問わず、公演や発表会などの舞台で踊る際にはバレエを全く知らない方も観にくるので、顔の表情や音楽、衣装の考慮が必要。

当たり前ですが、素晴らしいダンサーは3つのグループの見ている場所、全てができるダンサーですね(笑)

テクニックだけを追ってもダメだし、顔の表現だけでもダメ、
音や体から出す雰囲気やその表現も伴っていなければいけない。
そのためには踊りの背景を熟知し、衣装や小物はたまた音楽の知識を持ち、講師はそれを生徒たちに伝える能力がなければならない。

私がコンクールの審査員をしていて、「この踊りにこの衣装?」と、不思議に思う場合もあれば、「この生徒にこのステップ(または、音の速さなど)が合うのかもだけど、そうすると表現が変わってくるのではないか?!」と、点数をつける時に悩む場合もあります。
ダンサー本人は何も悪くなく厄介なのですが、実際に振り付けに点数を入れるカテゴリーもあります。

一昔前のローザンヌコンクール(世界でも大きなコンクール)の解説者が辛口で、ダンサーに合っていない曲や衣装、振り付けの場合は、それを選んだ振付家や講師をボロクソに言っていました。
ダンサーを活かしきれていない、この講師は何を考えているのか!と。
講師であるためには、色んな知識がないと恥をかくと幼いころに感じたのを覚えています。

講師が恥をかくどころか、良くも悪くもその意見は生徒・ダンサーに戻ってくる。
我々、講師・指導者は知識だけの頭でっかちでもいけません。
でも、この3者の視線の違いは今後、自分が何を学び、ダンサー・生徒たちに伝えていかなければいけないのかを考えるいい機会になりました。

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